Изображение человека в средневековье. Образ человека в истории мировой художественной культуры. Может, средневековые художники просто плохо рисовали
Обычно, когда произносят словосочетание «Средние века», перед глазами встают мрачные готические замки, все темное , запущенное, унылое... Это стереотип, который почему-то выработался в сознании людей. Живопись данного периода доказывает обратное - она не только не уныла, но и очень колоритна.
Искусство Средневековья: особенности и тенденции
Средневековье представляет собой период с пятого по семнадцатый век . Сам термин возник в Италии; считалось, что время это являлось культурным упадком, Средние века постоянно сравнивали с Античностью - и сравнение было не в пользу первых.
Особенностей искусства Средневековья несколько, и все они тесно связаны с господствовавшими в то время в обществе устоями и традициями. Так, сильны были церковь и религиозные догмы - именно поэтому религия стала чем-то обыденным для тогдашней культуры. Помимо этого, характерными чертами ее являлись аскетизм, отказ от античных традиций и при этом приверженность к старине, внимание к внутреннему миру человека и его духовности.
Эпоху принято подразделять на несколько периодов: раннее Средневековье (до одиннадцатого века), развитое (до пятнадцатого) и позднее (до семнадцатого века). Каждый из этих промежутков, опять же, имеет свои тенденции. Как пример - раннее Средневековье отличалось полным отказом от античных традиций, скульптура канула в небытие, процветало деревянное зодчество и так называемый звериный стиль. Человека, как правило, не изображали, а искусство было «варварским». Особое внимание уделялось цвету.
Развитое Средневековье, напротив, концентрировалось на прикладном искусстве - в моде были ковры, литье, книжные миниатюры.
В эпоху позднего Средневековья стали господствовать романский и готический стили, в частности, преобладали они в архитектуре, которая и являлась основным видом искусства в данный период.
Вообще же, общепринятой считается следующая периодизация искусства Средневековья: кельтское, раннехристианское, искусство периода переселения народов, византийское, дороманское , романское искусство и готическое. Далее более подробно остановимся на жанрах, стилях, приемах и сюжетах средневековой живописи. Вспомним и знаменитых мастеров.
Живопись эпохи Средневековья
В разные периоды Средневековья на первый план выступали разные виды искусства - то скульптура, то архитектура. Нельзя сказать при этом, что живопись оставалась в стороне. С течением времени и под влиянием изменений в обществе менялась и она, вследствие чего картины становились более реалистичными, а у художников появлялись новые приемы , темы и перспективы для творчества. Так, например , несмотря на то что тенденция к написанию полотен религиозной тематики оставалась популярной в средневековой живописи любого периода (впрочем, после тринадцатого века она начала встречаться гораздо реже), с повышением образованности стали более распространенными так называемые светские картины - бытового содержания, отражающие простую жизнь обычных людей (в том числе знати, разумеется). Так возникла реалистичная живопись, нехарактерная для эпохи раннего Средневековья . На картинах стали изображать не духовный, а материальный мир.
Распространились книжные миниатюры - таким образом пытались усовершенствовать и украсить книги, делая их более привлекательными для потенциальных покупателей. Появилась и настенная живопись, а также мозаика, которыми украшали внешние и внутренние стены церквей - это за это следовало благодарить орден францисканцев, для которого строилось большое количество подобных сооружений. Все это произошло уже после тринадцатого века - прежде живописи не уделялось столь пристального внимания, она играла скорее второстепенную роль, не считалась чем-то важным. Картины не писали - их «малевали», а это слово полностью отражает отношение к данному виду искусства в тот временной промежуток.
С расцветом живописи Средневековья пришло понимание того, что написание художественных полотен - это удел тех, кто по-настоящему умеет и любит данное ремесло. Картины перестали «малевать», более к их созданию не относились как к увеселительному времяпрепровождению, доступному каждому. Как правило, каждая картина имела своего заказчика, и заказы эти совершались исключительно с какой-то целью - полотна покупали для знатных домов, для церквей и так далее. Характерно, что многие художники Средневековья не подписывали свои работы - это было для них обычным ремеслом, таким же, как производство булочек для пекаря. Зато живописцы того периода старались придерживаться негласных правил: эмоционально воздействовать на того, кто будет смотреть на полотно; игнорировать реальные размеры - для придания большего эффекта; изображать разные временные промежутки с одним и тем же героем на картине.
Иконопись
Фламандцы
Пятнадцатый век принес славу Фландрии - именно в этой области появился новый уникальный прием , оказавший огромное воздействие на все искусство и в один момент ставший популярным. Речь идет об изобретении масляных красок. Благодаря добавлению растительного масла в смесь красящих веществ цвета становились более насыщенными, а сами краски сохли значительно быстрее, чем темпера, которой живописцы пользовались до этого. Попробовав наносить слой за слоем, мастера убедились в открывшихся перед ними возможностях и перспективах - цвета играли совершенно по-новому, а эффекты, которые получались таким образом, абсолютно затмевали все прежние достижения.
Доподлинно неизвестно, кто именно является изобретателем масляных красок. Зачастую их возникновение приписывают, пожалуй, самому знаменитому мастеру фламандской школы - Яну ван Эйку. Хотя еще до него достаточной популярностью пользовался Робер Кампен , который, собственно, и считается основоположником фламандской живописи. Тем не менее именно благодаря ван Эйку масляные краски получили столь глобальное распространение по всей Европе.
Выдающиеся художники
Живопись Средневековья подарила миру множество замечательных имен . Уже упомянут выше Ян ван Эйк - прекрасный портретист, чьи работы отличаются от прочих интересной игрой света и тени. Характерной особенностью его полотен являются тщательно прописанные самые мелкие детали. Еще один фламандец, Рогир ван дер Вейден , не был так внимателен к мелочам, однако он выписывал очень четкие контуры и акцентировал внимание на красочных, ярких оттенках.
Среди итальянских мастеров, помимо указанных выше, стоит отметить Дуччо и Чимабуэ , основоположников реализма, и Джованни Беллини. Также большой след в искусстве оставили испанец Эль Греко , нидерландец Иероним Босх , немец Альбрехт Дюрер и другие.
- Слово «миниатюра» происходит от minium - так называется по-латински сурик, которым в Средние века писали заглавные буквы в текстах.
- Натурщиком для картины «Тайная вечеря» Леонардо да Винчи стал обычный пьянчужка.
- В каждом новом столетии на натюрмортах количество еды увеличивалось.
- Картина Тициана «Любовь земная и Любовь небесная», прежде чем получить такое название, сменила их четыре раза.
- Художник Джузеппе Арчимбольдо составлял свои полотна из овощей, фруктов, цветов и так далее. До нас дошли очень немногие из его работ.
Живопись Средневековья, как и вся культура этого периода, представляет собой уникальный пласт, который можно исследовать веками. Кроме того, это поистине шедевральное наследие, сберечь которое для потомков - наша прямая обязанность.
Урок 2. Давно пора
Образ человека - одно из самых противоречивых понятий в истории мировой художественной культуры. На протяжении разных эпох, человек воспринимал себя по-разному. И от этого восприятия менялся и образ его жизни. Сегодня я хочу провести параллель через исторические эпохи и показать, как менялся этот образ.
Эпоха античности.
Эпоха античности считается эпохой просвещенности. Главным в восприятии мира у людей считалась естественность, а человеческое тело служило эталоном в мире искусства. По подобию построения пропорций человеческого тела, люди возводили здания. Бог был человеком, а человек - богом. Богов наделяли людскими страстями и пороками и возводили статуи людям, подобно богам. Человеческое тело было храмом. Скульптор воссоздавал в мраморе каждое движение и каждую складку на одежде. Каждая мышца была на своем месте, создавая впечатление застывшего в камне мгновения, подобно захваченному взглядом горгоны Медузы.
Не только скульптура воспроизводила человеческое тело. Настенные фрески привносили в помещение то, что люди хотели видеть - пейзажи, сцены застолий, танцев, мифологические мотивы, сцены эротического характера. И все было изображено так же - с великой точностью. 
В I-III вв нашей эры, после захвата Египта Александром Македонским, в египетском городе Фаюм изготовлялись погребальные портреты отличавшиеся поразительным сходством с жившим человеком и техникой исполнения напоминавшей картины эпохи Возрождения. Снова люди научатся так писать только через тысячу лет.
Эпоха средневековья.
Эпоха средневековья, по разным подсчетам, длилась от восьмисот до тысячи двухсот лет в разных регионах Европы. Это был период смутного времени, включающий в себя множество вех, как в истории, так и в искусстве. Главным для европейского человека стал Бог. Тело же превратилось в рудимент, оковы для бессмертной человеческой души. Ведь душа бессмертна, а что есть тело? Тело конечно, оно постоянно что-то хочет: ему надо есть, спать, ему нужно тепло, ему нужна ласка. Иисус страдал ради нас на кресте, и мы должны страдать, через укрощение своего тела, чтобы очистить душу. Человек зачинается во грехе, рождается во грехе и всю оставшуюся жизнь старается искупить этот грех, чтобы попасть в Небесное Царство. 
Как и в Египте - культ жизни после жизни, но, в отличие от Египта, у средневекового человека жизнь должна была начаться только после смерти. А, раз тело - настолько бренно и, по сути, ненужно - нет смысла стараться изобразить его красиво. Сначала художники учились, как разучиться рисовать людей, потом, через века - снова пытались научиться. 
Человек был маленьким и ничтожным, но что получило развитие - так это храмовое искусство и архитектура. Смутное время войн сменилось мирным - романский стиль в архитектуре с его толстыми укрепленными стенами и маленькими окошками-бойницами сменился готикой, и она стала первым стилем, объединившим всю Европу. В эпоху готики Церковь больше не являлась оборонительным сооружением, где множество людей находились под защитой Бога (и толстых стен), все больше людей стали посещать храмы, и от архитекторов потребовалось больше внутреннего пространства для вмещения всех прихожан. Это было решено, через распределение веса здания на арочную конструкцию внутри помещения и на аркбутаны и контрфорсы - снаружи. Само название «Готика» пришло от насмешки, что арочная конструкция соборов напоминала по своему виду дома конструируемые племенами готов, связывающих верхушки деревьев для создания куполообразного жилища. Распределение веса здания решило проблему толстых стен и позволило архитекторам проектировать огромные оконные проемы, которые заполнил появившийся в то же время витраж. Обилие декора довершало картину - все, что есть в мире сделано Творцом - значит нет ничего плохого, чтобы использовать это везде. Только представьте: простой человек из деревни приезжает в город в церковь и перед ним встает прекрасное огромное ажурное сооружение. Он входит внутрь и видит лучи переливающегося света от сверкающих оконных проемов, изображающих святых и сцены из Библии. И он понимает, что Бог на самом деле есть. 
Эпоха Возрождения. 
Вслед за Средневековьем приходит эпоха Возрождения, когда люди стали откапывать античные города, находить античные предметы искусства и понимать, что когда-то было по-другому. Послабление власти церкви приводит к тому, что общество становится более светским. Художники заново учатся писать человека, только для этого им приходится его вскрыть, чтобы узнать, где располагаются мышцы и кости, и как из этого правильно написать силуэт. Они продолжают писать на религиозные темы, но, вместе с этим, люди заказывают им свои портреты в виде святых, что показывает, насколько церковь потеряла свою власть в их умах. Художники экспериментируют с техниками, изобретают новые краски, новые стили. Известно, что Леонардо да Винчи был одним из первых, кто стал писать маслом. Его вклад в полотно Верроккьо «Крещение Христа», коленопреклоненный ангел, получился настолько ярким и живым, что Верроккьо, по легенде, ушел из живописи в скульптуру, сказав, что ученик, в свой первый же раз, превзошел учителя, и ему нечему его научить. 
Эпоха Барокко.
Следующая за эпохой Возрождения, но отличная по своему характеру - эпоха Барокко. Люди эпохи Барокко уходят в своем представлении о красоте от античной естественности и стремятся деформировать, модернизировать свои тела, придать им новую, идеальную форму. В моду вошли корсеты, выбеленные лица с нарисованными «мушками», напудренные парики, в которых копошились вши и мыши. К слову сказать, кудлатые мужские парики были введены в моду королем Людовиком XIV. Живя по принципу «держи друзей близко, а врагов еще ближе», он окружил себя министрами и военачальниками, которые со временем превратились в лизоблюдов, стремящихся попасть на глаза правителю и повторяющих за ним изменения в одежде. Когда Людовик начал лысеть, он одел парик. Все, кто его окружал сделали то же самое. 
В эпоху Барокко большой любовью пользовались избыток деталей, резные украшения, позолота, светильники на огромное количество свечей. И оптические иллюзии. Больше всех в плане иллюзий отличилось итальянское Барокко. И непревзойденным мастером считается флорентийский живописец и архитектор, Андреа Поццо. Шедевром Поццо считаются фрески апсиды, потолка и роспись подкупольного пространства римской иезуитской церкви Сан-Иньяцио. При постройке церкви, из-за недостатка средств, не был возведен купол. Монахи решили заменить купол росписью и, чтобы не выбиваться из бюджета и чтобы все было совершено по иезуитским канонам, пригласили для этой работы одного из своих монахов - Андреа Поццо. Поццо начал с росписи небольшого купола в апсиде здания. Монахам настолько понравилась эта работа, что они заказали ему роспись подкупольного пространства над алтарем.
В самой высокой точке - сам святой Иньяцио, основатель иезуитской церкви, и ждущее его Небесное царство. 
Люди стали чаще задаваться вопросом «Что мы есть?». Французский философ Рене Декарт, наблюдая за модными в то время статуями-фонтанами, которые стояли неподвижно и, при приближении к ним человека, оживлялись и обливали его водой, подумал - что если движение живых организмов так же зависит от рычагов, шестеренок и поршней? Он стал искать ответ, подвергая каждое свое суждение опровержению и пришел к тому, что неопровержимой осталась только мысль. Так он и дошел до своей известной впоследствии фразы - «Cogito ergo sum». «Я мыслю - следовательно я существую.»
Эпоха Классицизма.
В эпоху Классицизма деятели искусства снова обращаются к античным традициям, беря их за эталон. В архитектуре появляются элементы античных зданий - портики, колонны - в живописи - античные статуи, персонажи часто одеты на античный манер. Из этого выйдет впоследствии академизм - стиль в искусстве, с которым будут бороться импрессионисты и другие бунтари искусства. 
Две разных части Света.
И, в заключении, я бы хотела поговорить о двух частях света, кардинально отличающихся своими взглядами на то, что такое красота. Это страны Восточной Азии - Япония и Китай - и Соединенные Штаты Америки.
Я буду говорить о Китае и Японии в связке, потому что в их культуре много общего, хоть и с сильным влиянием менталитета своих стран. В Китайской культуре нет, как таковой, ценности человеческой жизни - их всегда было много - один уйдет, на его место придет другой. Как говорят сами китайцы: «Нет ценности человеческой жизни - есть указ императора» - если тебе надо умереть - ты умираешь. Но, с другой стороны, цель каждого отдельного человека в жизни - добиться личностного счастья, и никто не имеет права лишить тебя этого. Так же, в китайской культуре, каждый символ имеет в себе скрытую силу. Даже архитектуру они строят на подобие какого-нибудь иероглифа или знака, чтобы само здание работало на достижение поставленной цели. Для Японии - это слишком сложно. Инь и Ян - единство противоположностей, в белом есть частица черного, в земле есть частица неба - для них это слишком сложно. Они взяли из китайской культуры то, что посчитали достаточным - гармония и естественность.
Три основных понятия прекрасного в японской культуре - это «ю-гэн» - намек - «ваби» - пустота - и «саби» - патина, доказание конечности. Намек - это полупрозрачные сёдзи, свет, проходящий через бумажный фонарь. То, что открыто - не интересно. Интересно то, что таится за размытой формой. В Японии нет такого отношения к наготе, как в Европе - это естественно. А, раз естественно, значит не стыдно. Нагота не возбуждает, если не направлена на это. Гораздо интереснее, когда тело скрыто в слоях одежды, как жемчужина, и ты догадываешься, что же там внутри. То же самое можно сказать и о японских кондитерских изделиях, которые отличаются очень тонким, легким вкусом. Естественной сладостью бобовой пасты, агар-агара и добавленных для украшения ягод. Они не добавляют туда сахар, потому что избыточность - не интересна.
В Европе пустота - это нечто страшное, непонятное, пустота - это ничто. В Японии - пустота - это то, из чего все появляется. Они не рисуют малиновку над пионом - они рисуют пустоту, чтобы оттенить сами фигуры. Басе, обозначая тишину не писал "так тихо", он писал "слышно тиканье часов". Как тишина подчеркивается через тихий звук, так и здесь - художник впускает пустоту на полотно через помещение туда персонажей.
Без смерти нельзя понять жизнь. Смерть - часть жизни, поэтому через нее узнаешь красоту жизни. Японцы называют европейцев однобокими, за то, что те отрицают смерть и живут чтобы жить и радоваться. Но забывая, что жизнь конечна, невозможно в полной мере насладиться ее полнотой. Без добра нет зла, без лишений не поймешь всю прелесть от приобретения. Так же и с вещью. Если она пожила свое, если она покрыта трещинками, потерта - видна ее хрупкость - от этого она становится еще прекрасней - в ней есть душа. Даже у новых печатей специально скалывают кусочек, чтобы показать их конечность, естественность - а значит красоту. Во времена античности не допускали никаких сколов и трещин - предмет конечен, а значит не идеален. В Японии наоборот - поскольку у всего есть смерть - это ценится еще больше. Цветение сакуры - воплощение этого. Потому что лепестки опадают с деревьев за очень короткий срок, и нужно насладиться каждым мгновением, что ты это видишь. 
США прививают миру, через фильмы свою культуру. Культуру недостижимого идеала - культуру преобразования, жизни в мечтах. Еще Джордж Буш старший говорил в своем выступлении, что "святая миссия, возложенная на Америку - заставить всех остальных думать так же, как и мы". Именно из Америки пришла мода на пластические операции - достижение своего несуществующего идеала. В идеальном мире никогда не умирает главный герой. В идеальном мире всегда счастливый финал. Не обязательно четко следовать каким-то правилам, поэтому вы не найдете достоверных «исторических» недокументальных фильмов. Это не их история - не они ходят каждый день на работу через Парфенон - нарядили людей в тоги, поставили колонны - уже Греция. И не важно, как будут взаимодействовать люди. Поэтому каждый подобный фильм показывает нам современных американцев в разных декорациях. Главное, чтобы было зрелищно. Так же и в стилях. Америка - страна своих стилей и форм. Здесь нет художественных стилей, понятных нам - барокко, классицизма, ар ново - там есть дворцовый стиль, в котором содержится все, что человек считает роскошью: колонны, золотой унитаз, кровать с балдахином. Морской стиль, тропический, индустриальный - и многое-многое другое.
Так же следует заметить, что американцы - люди, которые не любят, когда их считают глупыми, поэтому им не нравятся сложные формы и метафоры, которых они не могут понять. Сюда же входят и слишком простые сравнения - по той же причине. Основная масса людей прибывает в "золотой середине" между этими полюсами - в красиво поданном пространстве, завуалированном ровно настолько, чтобы человеку казалось, что он сам обо всем догадался. И есть люди, которые придумывают и создают эту середину для простых граждан.
Американская культура отличается отсутствием фольклора. У переселенцев не появилось своих мифов, не зародилось новых богов - они были слишком «взрослыми» для этого. Поэтому американцы создали своих джиннов и лепреконов. У них появились супергерои. Америка - единственная страна, у которой есть супергерои. Ведь что такое супергерой? Идеальный человек, создающий идеальный мир. 
*материал собран из различных источников
Искусство Средневековья наиболее адекватно отразило переход в менталитете средневекового человека от внешнего к внутреннему, интериоризацию его духовной жизни. Средневековой собор принимал верующего в себя и воздействовал на него внутренним убранством и сосредоточенными в храме произведениями скульптуры и живописи.
В развитии архитектуры Средневековья выделяют два стиля: романский (ХI-ХII вв.) и готический (ХIII-ХVвв.). Романский стиль характеризуется массивностью сооружений: феодальный замок, городские укрепления, соборы. Ясность, монолитность, внушительность – характеристика романского зодчества. Фантасмагория скульптурных композиций, литературные аллегории, ужас и стыд человеческого греха перед перстом беспощадного Бога – образы раннего средневекового искусства.
Готика – стиль многоголосия как в музыке, так и в архитектуре, появление которого в Европе связано с ростом общественного сознания, ростом уверенности человека в свои силы. Готический собор – стройный и высоко возносящийся над головой лес сводов, огромные, узкие и цветные стекла, на постройку и украшение которого уходили десятилетия и столетия. В соборах совершались богослужения, читались университетские лекции, разыгрывались театральные представления, и даже заседал парламент.
Культурным достижением эпохи являются появление монументального художественного стиля, синтезирующего другие виды искусства.
3. Взгляд на искусство в эпоху Возрождения
Искусство Ренессанса – это эпоха европейского гуманизма, антропоцентризма и формирование ценности человеческой личности. Урбанизация Италии, специализация городов выдвинула Флоренцию в центр художественной культуры и эстетической мысли того времени. Все перемены в жизни общества сопровождались широким обновлением культуры - расцветом естественных и точных наук, литературы на национальных языках и, в особенности, изобразительного искусства. Появление книгопечатания открыло невиданные возможности для распространения литературных и научных произведений.
При всей сложности и неоднозначности эстетики Возрождения в качестве ее одного из основных принципов можно выделить абсолютизацию человеческой личности в ее целостности. Для эстетических трактатов и произведений искусства Возрождения характерно идеализированное представление о человеке как о единстве разумного и чувственного, как о свободном существе с беспредельными творческими возможностями. С антропоцентризмом связано в эстетике Возрождения и понимания прекрасного, возвышенного, героического. Принцип прекрасной артистически - творческой человеческой личности сочетался у теоретиков Возрождения с попыткой математического исчисления пропорций, симметрии, перспективы. Эстетическое и художественное мышление этой эпохи впервые опирается на человеческое восприятие как таковое и на чувственно реальную картину мира.
Эстетика Возрождения ориентирует искусство на подражание природе. Однако на первом месте здесь не столько природа, сколько художник, который в своей творческой деятельности уподобляется Богу. В постепенно освобождающемся от церковной идеологии создателе произведения искусства больше всего ценится острый художественный взгляд на вещи, профессиональная самостоятельность, специальные навыки, а его создания приобретают уже самодовлеющий, а не священный характер. Одним из важнейших принципов восприятия произведений искусства становится наслаждение, что свидетельствует о значительной демократической тенденции в противовес морализаторству и схоластической учености предшествующих эстетических теорий.
Изобразительное искусство Возрождения во многих отношениях представляет контраст средневековому. Оно знаменует становление реализма надолго определившего развитие европейской художественной культуры.
Это сказалось не только в распространении светских изображений, в развитии портрета и пейзажа или новой, иногда почти жанровой интерпретации религиозных сюжетов, но и в радикальном обновлении всей художественной системы. Эта теория, позволяющая построить на плоскости трехмерное изображение, ориентированное на зрителя и учитывающее его точку зрения, означает победу над средневековой концепцией изображения.
Представители Возрождения находят в античной культуре то, что созвучно их собственным устремлениям, - приверженность к реальности, жизнерадостность, преклонение перед красотой земного мира, перед величием героического подвига. Вместе с тем, сложившись в иных исторических условиях, впитав в себя традиции романского стиля и готики, искусство Возрождения несет в себе печать своего времени. По сравнению с искусством классической древности духовный мир человека становится все более сложным и многогранным. Работы художников становятся подписными, то есть подчеркнуто авторскими. Все больше появляется автопортретов. Несомненным признаком нового самосознания является и то, что художники все чаще уклоняются от прямых заказов, отдаваясь работе по внутреннему побуждению. К концу XIV века ощутимо меняется и внешнее положение художника в обществе. Художники начинают удостаиваться всевозможных общественных признаний, должностей, почетных и денежных синекур. А.Микеланджело, например, вознесен на такую высоту, что без боязни обидеть венценосцев он отказывается от предлагаемых ему высоких почестей. Ему вполне хватает прозвания божественный. Он настаивает, чтобы в письмах к нему опускали всякие титулования, а писали просто Микеланджело Буонаротти.
Искусство Возрождения делится на четыре этапа Проторенессанс конец XIII - I половина XIV века, Раннее Возрождение XV век, Высокое Возрождение конец XV века первые три десятилетия XVI века, Позднее Возрождение середина и вторая половина XVI века.
«Некрасивые» это ещё мягко сказано. Младенцы на средневековых полотнах похожи на кошмарных крошечных мужичков с высоким уровнем холестерина.
Такие вот дети 1350 года:
Жутковатый младенец 1350 года в композиции «Мадонна из Вевержи» мастера Вышебродского алтаря. Фото: .
Или вот ещё один 1333 года:
Написанная в Италии «Мадонна с Младенцем», Паоло Венециано, 1333 год. Фото: Mondadori Portfolio/ .
Глядя на этих страшненьких человечков, мы задумываемся о том, как удалось перейти от уродливых средневековых образов детей к ангелоподобным младенцам эпохи Возрождения и современности. Ниже два изображения, которые позволяют убедиться, насколько изменились представления о детском лице.
Фото: .
Фото: Filippino Lippi/ .
Почему же в картинах было так много уродливых младенцев? Чтобы разобраться в причинах, нужно обратиться к истории искусства, средневековой культуре и даже к нашим современным представлениям о детях.
Может, средневековые художники просто плохо рисовали?
Эта картина 15-го века кисти венецианского художника Якопо Беллини, но младенец изображён в средневековом стиле. Фото: .
Детей изображали некрасивыми умышленно. Границу между Средневековьем и Ренессансом удобно использовать при рассмотрении перехода от «уродливых» детей к значительно более милым. Сравнение разных эпох, как правило, выявляет разницу в ценностях.
«Когда мы думаем о детях в принципиально ином свете, это отражается в картинах, – говорит Аверетт. – Таков был выбор стиля. Мы могли бы посмотреть на средневековое искусство и сказать, что эти люди выглядят неправильно. Но если задача в том, чтобы картина выглядела как у Пикассо, а вы создаёте реалистичное изображение, то и вам сказали бы, что вы сделали неправильно. Хотя с Ренессансом и наступили художественные инновации, но не в них причина того, что младенцы похорошели ».
Примечание: Принято считать, что Ренессанс зародился в 14-м веке во Флоренции, а оттуда распространился по Европе. Однако, как и любое интеллектуальное движение, он характеризуется одновременно и слишком широко, и слишком узко: слишком широко в том плане, что создаётся впечатление, будто ренессансные ценности возникли мгновенно и повсеместно, а слишком узко в том, что ограничивает массовое движение одной зоной инноваций. В эпохе Возрождения были пробелы – легко можно было увидеть изображение некрасивого ребёнка в 1521 году, если художник был привержен этому стилю.
Мы можем отследить две причины, по которым в Средние века младенцы в картинах выглядели мужиковато:
- Большинство средневековых младенцев были изображениями Иисуса. Идея гомункулярного Иисуса (что Он появился на свет в подобии взрослого человека, а не ребёнка) повлияла на то, как изображали всех детей.
Средневековые портреты детей, как правило, создавались по заказу церкви. А это значит, что изображали либо Иисуса, либо ещё нескольких библейских младенцев. В Средние века представления об Иисусе сформировались под сильным влиянием гомункула , что буквально означает человечек . «Согласно этой идее, Иисус появился полностью сформировавшимся и не изменялся, – говорит Аверетт. – А если сопоставить это с византийской живописью, получаем стандартное изображение Иисуса. В некоторых картинах, похоже, у него признаки облысения по мужскому типу ».
Картина Барнаба да Модена (работал с 1361 по 1383 годы). Фото: DeAgostini/ .
Гомункулярный (взросло выглядящий) Иисус стал основой для рисования всех детей. Со временем люди просто стали думать, что именно так должны изображать младенцев.
- Средневековых художников меньше интересовал реализм
Такое нереалистичное изображение Иисуса отражает более широкий подход к средневековому искусству: художники в Средние века были меньше заинтересованы в реализме или идеализированных формах, чем их коллеги в эпоху Возрождения.
«Странность, которую мы видим в средневековом искусстве, проистекает из отсутствия интереса к натурализму и большей склонности к экспрессионистским традициям» , – говорит Аверетт.
В свою очередь, это привело к тому, что большинство людей в Средневековье изображали похожими. «Идея художественной свободы в рисовании людей так, как вам хочется, была бы нова. В искусстве соблюдались условности ».
Из-за приверженности этому стилю живописи младенцы выглядели как папы, потерявшие форму, по крайней мере, до эпохи Возрождения.
Как в эпоху Возрождения дети снова стали красивыми
Милое дитя в картине Рафаэля, 1506 год. Фото: Fine Art Images/Heritage Images/ .
Что же изменилось и привело к тому, что дети вновь стали красивыми?
- Нерелигиозное искусство процветало, и люди не хотели, чтобы их дети выглядели как жуткие человечки
«В Средние века мы видим меньше изображений среднего класса и простых людей », – говорит Аверетт.
С Возрождением это начало меняться, поскольку средний класс во Флоренции процветал, люди могли позволить себе портреты своих детей. Популярность портретной живописи росла, и заказчики хотели, чтобы их дети выглядели как симпатичные малыши, а не уродливые гомункулы. Так во многом изменились стандарты в искусстве, а в итоге и в рисовании портретов Иисуса.
- Ренессансный идеализм изменил искусство
«В эпоху Возрождения, – говорит Аверетт, – вспыхнул новый интерес к наблюдению за природой и изображению вещей такими, какими их видели на самом деле ». А не в устоявшихся ранее экспрессионистских традициях. Это отобразилось и в более реалистичных портретах младенцев, и в прекрасных херувимах, вобравших лучшие черты от реальных людей.
- Детей признали невинными созданиями
Аверетт предостерегает от чрезмерного разграничения относительно роли детей в эпоху Возрождения – родители в Средние века любили своих чад не иначе, чем в эпоху Ренессанса. Но трансформировалось само представление о детях и их восприятие: от крошечных взрослых к невинным созданиям.
Какими достижениями в архитектуре и технике строительства прославились древние римляне?
Как выглядела раннехристианская базилика и крестово-купольный храм?
Какие здания украшали средневековые города-коммуны?
Улыбающийся ангел - олицетворение рая.
Статуя портала Реймского собора. XIII в. 1.
Архитектура. Строители раннего Средневековья многое восприняли от строгой архитектуры древних римлян, и поэтому сооружения вплоть до XI-XIII веков называют романскими (от «Рома» - Рим). Романский храм - массивное здание с почти гладкими стенами, высокими башнями и лаконичным декором. Всюду повторяются очертания полукруглой арки - на сводах, оконных проёмах, входах в храм. В то же время своей мощью романские храмы напоминают замки. И действительно, они нередко служили убежищем для населения округи.
Вместе с тем романский храм исполнен призыва к благому размышлению и молитве. Внутреннее его устройство также типично средневековое. Он состоит из трёх или пяти нефов; центральный неф поднят над боковыми. В плане романский храм имеет вид креста, в центре которого - башня, завершающаяся пирамидой. С XI века в Западной Европе началось большое строительство. Богатая церковь увеличивала число и размер храмов, перестраивала старые сооружения.
С середины XII века в свободных городах сооружались торговые помещения, залы для собраний цехов и гильдий, больницы, гостиницы. Главными украшениями города были ратуша и особенно собор. Постройки XII-XV веков получили позже название готических. Теперь лёгкий и высокий стрельчатый свод опирается внутри на пучки узких, высоких колонн, а снаружи - на массивные опорные столбы и соединительные арки. Залы просторные и высокие, в них поступает больше света и воздуха, они богато украшены живописью, резьбой, барельефами.
Схема романского храма в раз резе
Интерьер романской церкви Сен-Сернен в Тулузе. Франция. XI-XIII вв.
Благодаря широким проходам и сквозным галереям, большому количеству огромных окон и кружевной каменной резьбы готические соборы кажутся прозрачными. Повторяющиеся очертания стрельчатой арки, крутые скаты крыш, высокие башни колоколен - всё создаёт впечатление стремительного порыва ввысь.
Долгое время собор был самым большим зданием в городе, нередко он мог вместить всех горожан. В нём не только проводили церковную службу, но и устраивали собрания,
представления на религиозные „ „
Собор в Реймсе. Западный фа-
темы, слушали лекции профес- сад %ранция. хш _ начало Xivв.
соров. В огромном нарядном соборе, среди его красоты и величия человек проникался радостью праздника, ощу-
Схема готического храма в Интерьер готического собора в разрезе Бурже. Франция. XIII в.
щением могущества Бога, устремлял к нему свои помыслы и чувства.
(имера. Фрагмент Ьасада собора 1отр-Дам. Париж
Средневековые соборы и сейчас восхищают своей изысканной красотой, искусством и фантазией их создателей. Соборы строили и украшали в течение многих десятилетий, а порой и столетий. В их сооружении участвовало множество мастеров, подчас из разных стран. На время строительства все мастера объединялись в артель под руководством архитектора.
Храм строили так, чтобы он был виден всем и отовсюду. О нём напоминал колокол своим мерным звучанием. Ритм колокольных ударов, церковные фрески, витражи, скульптуры и иконы служили для средневековых людей мерой и образцом в будни и праздники. 2.
Скульптура. В Средние века скульптура была неотделима от архитектуры и пре-
Іотомки о готических зданиях
В этих постройках устраивали они столько выступов, разрывов, завитушек, что лишали свои вещи всякой соразмерности, и часто, нагромождая ідно на другое, они достигали такой высоты, что верх двери касался у них рыши. Манера эта была изобретена готами, ибо после того, как были раз- .ушены древние постройки и войны погубили архитекторов, то оставшиеся живых стали строить в этой манере, заполняя всю Италию чёрт знает ка- ими сооружениями... Упаси Боже любую страну от одной мысли о работах одобного рода, столь бесформенных... (Дж. Вазари, итальянский живопи- ец, архитектор, историк искусства. XVI век.)
Как же я был поражён, когда приблизился к Страсбургскому собору. У іеня дух захватило от его целостности и величия. Собор состоял из тысяч тдельных, гармонически сочетавшихся частей, он приводил в восторг и осхищение, но постигнуть, объяснить его себе было невозможно. (И. В. Гё- ?, немецкий писатель. XIX век.)
и 1. Как менялось отношение к готическому искусству в течение столетий? С по- ощью дополнительной литературы выясните, почему готика вызывала такое оттор- ение у людей XVI века. 2. Как Вазари объясняет происхождение названия «готи- іский»? Уточните, прав ли он.
3. В чём вы лично согласны или не согласны с)едставленными здесь мнениями? имущественно посвящалась религиозным темам: изображала сцены, описанные в христианских книгах, укрепляла в вере и устрашала муками ада. Храмы украшали снаружи и внутри сотнями, а то и тысячами рельефов и статуй, изображающих Бога и Деву Марию, апостолов и святых, епископов и королей. Например, в соборе в Шартре (Франция) было до 9 тысяч статуй, не считая рельефов.
Маркграф Экке- хард и его жена Ута. Статуи собора в Наумбурге. Герма ния. Около 1250 г.
Уже в романском стиле видны выработанные Средневековьем приёмы украшения храмов. Наибольшее внимание уделяли западному фасаду, где был главный вход: богатые украшения фасада как бы зазывали в храм. Порталы (входы) собора обозначали границу двух миров - грешного, земного и священного, небесного: собор их и разделял, и связывал между собой.
На капителях колонн, крышах и над дверями изображались кентавры, химеры и другие сказочные существа. Они унаследованы от языческих верований и народного творчества - сказок, басен, песен.
Христос благословляющий.
Статуя собора в Амьене. Франция Около 1220 г.
В отличие от античного искусства, прославлявшего красоту человеческого тела, художники Средних веков стремились раскрыть богатство души, мыслей и чувств человека, его напряжённой внутренней жизни.
В готических статуях святых больше движения, их тонкие вытянутые фигуры особенно живо передают подлинный облик людей.
Главной фигурой декора в храме, в монашеской келье, в спальне мирян было изображение распятого Христа. Безгрешность и возвышение через страдания и милосердие - вот главная мысль средневекового искусства.
Сохранилось множество изображений Богоматери - Девы Марии, Мадонны. Её любили самозабвенно, ей молились страстно; в ней видели заступницу за людей перед Сыном. Но мастера стремились в изображении Мадонны с Младенцем на руках воспеть и жертвенную силу материнской любви.
Ентральный вход собора Шартре. Франция. Конец XII в
Фрагмент юртала собора і Шартре 3.
Живопись. Стены романских храмов были покрыты росписями. Но на стенах готических соборов для них оставалось мало места. Огромные окна заполняли витражи - картины или узоры из кусков цветного стекла, скреплённых свинцовыми ободками. Через витражи свет проникал в храм, играя на колоннах, сводах и камнях пола красочными бликами, и это придавало всему нарядный, праздничный вид.
Большим достижением живописи была книжная миниатюра. Множество ярких рисунков отражало всю жизнь людей разного происхождения и достатка: как они одевались и причёсывались, обставляли жилища, работали и проводили досуг, во что верили и чего боялись. В знаменитых «Больших хрониках» описана в картинках вся история Франции, начиная с Меровингов до XIV века. В иллюстрациях к немецкой книге любовных песен представлен рыцарский быт с турнирами, охотами, поклонением Прекрасной Даме.
Самый прославленный образец миниатюры - «Кален- дарь герцога Беррийского».
Он был выполнен в начале XV века тремя братьями Лим- бургами, работавшими во Франции. Миниатюры календаря отразили новое отношение к природе: у людей возникало желание любоваться её красотой.
Изображения людей в
минуты труда, отдыха, во взаимоотношениях, связях с
природой, передача света, использование светотени - таковы были новшества в книжной миниатюре.
«Октябрь». Миниатюра XV в.
Какое настроение создаёт у вас миниатюра?
Бытовые сцены изображались и на фресках, что особенно характерно для немецких и скандинавских храмов XIV-XV веков.
1.На основании текста и иллюстраций составьте рассказ о романских и готических соборах. 2. Разработайте таблицу для сопоставления романского и готического соборов по отдельным частям их плана, архитектурным элементам, внутреннему убранству. 3. Какие мысли и чувства стремились выразить в своих произведениях средневековые архитекторы и скульпторы? Какими средствами они этого достигали? 4. Каков был эффект от использования витражей в готическом храме? 5. Что нового внесло позднее Средневековье в книжную миниатюру и фресковую живопись?
Э1. Какое впечатление на современного зрителя производят сохранившиеся до наших дней средневековые готические соборы? 2. Объясните смысл фразы: «Готика - дитя города». 3. Выясните, в чём было сходство и в чём различия в архитектуре и во внутреннем убранстве католических и православных храмов Средневековья. Используйте дополнительную литературу и интернет-ресурсы. 4. Как изменилось изображение человека в средневековом искусстве по сравнению с античным? 5. Напишите сочинение от имени человека, который впервые попал в готический собор. Какие чувства вызовет у него храм своим внешним и внутренним убранством?
